Dibujos (algunos tras moverme y otros tras dejarme mover)

 

 

 

Primera visita a Lima para un proyecto (aún sin nombre) / Con Joelle Gruenberg y Pablo Pérez Palacios

En Febrero del siguiente año (2016) presentaremos en el Museo de Arte de Lima (MALI) un proyecto dentro del programa In Situ, que lleva Sharon Lerner.

Estoy muy contenta de trabajar en ello junto a Joelle Gruenberg (bailarina y coreógrafa independiente) y Pablo Pérez Palacios (arquitecto). Nos juntamos en Lima a trabajar en esto, con la mayor concentración posible, por unos cuantos días. 

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Joelle y yo compartimos la experiencia del butoh y hemos venido conversando sobre la práctica de la libertad detonada a partir de mover el cuerpo no desde una intención representativa, psicológica o coreográfica, no desde la destreza, sino desde un punto flojo, desde un existir, desde la apertura de dejar de ser uno mismo (noción occidental del ser como unitario) y de crear desde lo que a uno le atraviesa cuando comparte una experiencia con otros. Joelle nutre enormemente este proceso de trabajo; menciona: “Mi noción del cuerpo fluctúa hoy entre lo que puedo nombrar y lo que no”.

A partir del cuerpo, desde allí, se potencia o se hace presente la intuición.  La intuición, frente a la racionalidad, es mucho más certera. Tal vez no toma el camino largo del análisis de diversas posibilidades de comprensión de un aspecto de la realidad, más bien lo que hace es ir directamente a una idea, por un atajo emotivo, ligado directamente al cuerpo, se siente.  ¿Cómo podemos hacer uso de esa capacidad que tenemos para crear sentido y mundo proponiendo, reaccionando, cediendo, empujando, absorbiendo? ¿cómo se viven los espacios como el museo o la ciudad cuando se es consciente de que somos partícipes en la creación de realidades? 

El Museo de Arte de Lima, tiene potencialmente a un público amplio y diverso con el que deseamos trabajar. Esperamos contribuir a que el público pueda percibir al museo como un lugar en donde puede acercarse al arte de manera horizontal sin caer en formatos didácticos facilistas, valorando la diversidad de aportes que las personas, desde su particularidad pueden dar.  

Hicimos una invitación abierta al público del museo (en redes sociales) a participar de nuestro proceso de reflexión a través del cuerpo. Aquí nuestro anuncio:

  Aquí algunas imágenes (aún misteriosas) de lo que sucedió:

Con tus propias manos / Espai 13 - Fundación Miró / Barcelona, España 2014-2015

Con tus propias manos (Fundación Miró, 2014-15), aparentemente no partía directamente del butoh, pero tuvo naturalmente su influencia. El cuerpo como un molde (noción de butoh) que se llena de ideas e imágenes que detonan movimiento, mismo que genera nuevas imágenes, ya sean nuestras o que vienen de otros o del exterior, me llevó a la idea de pensar en la exposición como ese cuerpo-molde que puede ser llenado de ideas del público, que los lleva a moverse y tocar, sin que una única temática protagónica permee la lectura espontánea y totalmente abierta de una muestra. El cuerpo de esta propuesta estuvo formado a partir de la historia de una vida, la vida de una persona a quien conozco. Pero esta fuente no se menciona, sirve de centro gravitatorio para la generación de formas e imágenes evocadoras. El espacio y los objetos brindan la posibilidad del descubrimiento en varios niveles (individual y colectivo, formal, narrativo). Estaba la idea de la “aparición” de los objetos, de lo dado y lo recibido, pues el público se transmitía de un lado a otro de un muro o membrana (ver las imágenes), aquellas unidades de sentido. Algunas ideas centrales fueron: 

-poder pasar algo de mano en mano

-tener una percepción táctil de los objetos

-confiar en el público

-dar un espacio para la empatía, la resonancia pero también para el extrañamiento

-la posibilidad de ocupar las ideas de otros, hacerlas nuestras como una manera de aprender.

-la dispersión y metamorfosis de una idea en la mente de un grupo de personas: el sentido en transición.

-crear algo desarticulado que el público articula dando pie a lo inesperado. 

-que la organización de los objetos cambia pero el sentido de base sobrevive como vestigio.

-la exposición cobra completa vida cuando es usada y lleva a pensar en los límites de la participación, en la relación entre público e institución. 

En una visita grupal, un joven preguntó algo como: ¿puedo llevarme algo, quemarlo o romperlo? De hecho, varios jóvenes sí se llevaron una pieza, la hicieron pasear por sus casas y escuela, algunos otros sumaron objetos suyos al conjunto.

Entrada a la sala. Un muro de tela dividía el espacio en dos (diagonalmente). Se debía decidir a qué lado pasar

En la tela habían “ojales” por los cuales se podía pasar objetos de un lado a otro.

Dibujos sobre tablas de madera entintadas

Algunas piezas resultaron estar al alcance de los niños

Una figura tejida que se podía colocar sobre el cuerpo como un poncho

Still de video que se proyectaba de un lado del espacio. En él, dos personas “conversan” intuitivamente a través de mover objetos en un superficie. Hecho en colaboración con Laura Alderete

Creo que es importante decir que cuando elaboré este proyecto, necesitaba, por un lado, encontrar un espacio de descanso para mi mente  y por otro lado, crear y reforzar vínculos. 

Para descansar de preocupaciones y tristeza hice las figuras de papier mâché junto a mi papá, en Lima. Fueron días-mantras de tranquilidad artesanal en donde no fue relevante que las figuras quedaran “bien” sino que estuviéramos juntos. Lo menciono porque creo que los objetos terminaron siendo accesibles al público por esta razón. Si hubiese puesto énfasis en la factura de los objetos, incluso en el caso de que hubiese elegido una estética naif (ante la cual tengo mucha reserva), no habría funcionado igual, el estado de ánimo en el que me encontraba, me permitió soltar expectativas.

Fue muy importante haber trabajado en torno a la vida de mi amiga porque aunque esa dimensión narrativa estuvo muy presente (aunque no “expuesta” como información), trabajar sobre algo tan delicado como una vida me permitió entender un poco mejor cómo los artistas debemos hacernos responsables de lo que pensamos y compartimos. Fue tremendo presentarle el proyecto a mi amiga y dialogar a partir de sus reacciones. Me hace mucho sentido hacer arte para personas específicas lo que no excluye que éste a su vez sea objeto de una más amplia exposición ante un público mayor.

Por otro lado, la exposición estuvo enmarcada en el proyecto Lesson 0, del colectivo Azotea (Juan Canela y Ane Aguirre). En torno a la exposición se hicieron varias actividades de interacción con el proyecto. Aquí el link al mismo: 

Lesson 0

Y a Pedagogías de Fricción (programa de mediación pedagógica de Lesson 0)

https://pedagogiesdefriccio.wordpress.com/
MMS blog de Fundación Miró:
http://mmsfundaciomiro.blogspot.mx/2015/03/institut-bellvitge-lespai-13.html

Gracias a Juan Canela y Ane Aguirre por la invitación, al equipo de la Fundación Miró, en especial al del Programa Educativo del museo que recibió con mucho entusiasmo la propuesta, al equipo de Pedagogías de Fricción, a Juande (artista y asistente de montaje), a mi papá, a Benjamín y amigos en España, a Laura Alderete y familia, a Oscar Garduño, Isabelle, Álvaro, Juan Pablo y Carlos (Paca), a 80M2 por las gestiones, a Pablo Pérez Palacios por las buenas decisiones, a Priscila por el diseño del poster!

Tercera parte: Nunca por ti mismo / Never by yourself / Taller en el contexto de la exposición ”Endless Openness Produces Circles” / Lo impartimos: Espartaco Martínez (bailarín), Rodrigo Hernández y yo / Basilea, 2014

A través de experiencias individuales y grupales que involucran cuerpo y mente; desde la observación atenta, la espera, la técnica “mirada de pájaro” (observación de uno mismo desde un punto distante fuera de uno mismo) pasando por caminatas y la elaboración de dibujos, invitamos a los asistentes gentilmente a entrar en un estado sensible, inquieto y relajado para crear.  Varios de los ejercicios que desarrollaremos, estuvieron relacionados con la danza Butoh, surgida en Japón a mediados del siglo pasado. Espartaco Martínez nos aportó su experiencia como bailarín de este tipo de disciplina.

Aquí una carta de bienvenida que enviamos por correo a los inscritos:

 

En español diría: 

Querido __________:

Pronto tendremos algo en común: estaremos en el mismo lugar, al mismo tiempo.

El taller comienza con esta carta llegando a ti y nosotros viajando desde muy lejos para encontrarte en Basilea.

Queremos darte la bienvenida personalmente y agradecerte por tu participación. Nos da mucha curiosidad conocerte.

Saludos calurosos,

RPL

RHA

EM

También les hicimos llegar este otro anuncio:

Dear participant,

In this workshop you will find: an invisible brush, a very young person and a ball of clay, among other elements. You will be looking upwards, you will walk in silence, you will be part of a soul train. You will spend time lying on the floor, and you will move a lot but you will also be quiet and without much movement at certain moments. So please, bring comfortable clothes and shoes, also a towel and/or wet wipes.

Through this workshop, we wish to arrive to doing fast and simple drawings with no aesthetic or technical expectations, but drawings with the potential to make us visualize states and attitudes, to perceive changes and focus on the conditions that make a drawing possible. 

Finally, please:

-Bring your mobile phone to the class. At a certain time, we will need you to call someone. For this activity, choose a close relative or friend and tell him or her that you will be calling on Friday, March 28, between 9 and 11 am.

We are looking forward to meet you soon.

All the best,

Rodrigo Hernández, Espartaco Martínez y Rita Ponce de León

En español:

Querido participante:

En este taller vas a encontrar: un pincel invisible, una persona muy joven y una bola de arcilla, entre otros elementos. Mirarás hacia arriba, caminarás en silencio, serás parte del Tren del Soul. Pasarás tiempo echado en el piso y te moverás mucho pero también permanecerás quieto y sin moverte mucho en ciertos momentos. Por eso, por favor trae ropa cómoda y una toalla.

Por medio de este taller esperamos llegar a hacer dibujos rápidos y sencillos sin expectativas estéticas o técnicas, más bien esperamos que sean dibujos con el potencial de hacernos visualizar estados y actitudes, percibir los cambios y enfocarnos en las condiciones que hacen un dibujo posible.

Finalmente, por favor, traigan sus teléfonos celulares al taller. En determinado momento necesitaremos que llamen a alguien. Para esta actividad, escojan a alguien de su confianza y cuéntenle que le estarán llamando el día viernes 28 de marzo entre las 9 y las 11 am.

Esperemos conocerlos pronto.

RHA, EM y RPL

 

Imágenes Imágenes Imágenes

Ohno Yoshito en el estudio de su padre Ohno Kazuo.

Niñas ciegas jugando a las escondidas (publicada por Bain news service, sin fecha)

Imagen del archivo de Ohno Kazuo (1987)

Imagen del archivo de Ohno Kazuo (1966)

Imagen del archivo de Ohno Kazuo (1966)

Imagen del archivo de Ohno Kazuo (1976)

Página del libro “Kazuo Ohno's World: From Without & Within”

Segunda parte: La apertura sin fin produce círculos / Endless Openness Produces Circles, Kunsthalle Basel, Basilea, Suiza / 2014

Entonces... En este proyecto abordé la apertura como una posibilidad para la empatía, esa era la idea. La exposición fue consecuencia de reflexionar acerca de lo siguiente: ¿Cómo crear un espacio que invite a pensar en lo que significa cambiar de idea y permitirse ser transformado por otros y/o por el entorno? El cuerpo abierto permite el intercambio o incluso la superposición del adentro y el afuera (noción que viene del butoh, referencia que comenzaba a hacerse presente en la instalación que hice en Bogotá en 2013). 

 

Existe un flujo entre los espacios vacíos en forma de cuerpos y los espacios que estos cuerpos ocupan, una simbiosis entre cuerpo y espacio. La apertura implica así mismo la mezcla o incluso la confusión de lo humano con lo no-humano. 

 

Conversé con algunos amigos sobre su experiencia de vivir en una o varias casas, habitarlas en diferentes períodos de la vida y convertirlas en espacios afectivos.

Cito uno de los testimonios de una amiga francesa que me contó sobre una casa de campo que tiene su familia, una casa que se llama ”La Roche” (La Roca):

“La Roche justamente para mí representa lo que está “afuera”, eso viene de este lado de la familia. Nosotros tenemos la necesidad de respirar, de ver, La casa está en una roca. Una pared es una roca de verdad. Cuando llueve afuera, llueve en la Roca (…) A partir de Octubre, en invierno, cerrábamos la casa hasta abril (…) entonces había mucha humedad y muchos animalitos que entraban. Tiene que ver con eso del afuera, cuando la naturaleza entra en el hogar nada se puede conservar.(…) La Roche no tiene dirección. Es un lugar-dicho, no tiene dirección, tiene nombre. La Roche no tiene un cartel que señale donde está, es como si no existiera, jugamos a eso. No vale nada, pero me he dado cuenta del tesoro que tenemos, no tiene valor: un lugar que no tiene valor es lo mejor.(…) ¿Por qué viajo? Es porque tengo esta casa.”

Este dibujo no estuvo incluido en la exposición pero también nació de esa conversación que cito aquí.

 

Desde ese punto partí para hacer una serie de dibujos en donde la ambigüedad de la línea nos hace ver un volumen al mismo tiempo que un espacio, donde formas abiertas conectan al cuerpo con el espacio, donde objetos y humanos se intersectan, donde línea y papel y papel y espacio se encuentran en una relación física. La instalación de la ventana, que se podía mover reconfigurando el espacio entero de esa sala (incluyo dos imágenes), era un elemento que conectaba el interior y el exterior.  Los murales también se abrían al blanco del muro dialogando con la arquitectura de la sala, con su amplitud y su luz.  

Pablo Pérez Palacios, arquitecto, colaboró intensamente en este proyecto. Su lucidez y energía entusiasmante quitaron todo lo innecesario o caprichoso a mis ideas y si yo lanzaba una idea, él lanzaba otra. 

Mi contacto con la danza butoh es reciente pero me ha marcado profundamente pues me reafirma en la idea de que es en el cuerpo donde se dan los vínculos profundos. La danza butoh, según Tatsumi Hijikata, bailarín japonés y su fundador: “es sólo un medio de investigación para algo más esencial”. El butoh surge a mediados del siglo pasado; en palabras de Joelle Gruenberg (bailarina y amiga peruana): “(…) está ligado a un momento histórico, la Segunda Guerra Mundial. Hiroshima y Nagasaki. Se cayeron básicamente todos los paradigmas de esa sociedad (la japonesa), todas las cosas en las que ellos creían”. Desde este punto cero, Joelle pregunta: “Si todo NO, ¿qué cosa SÍ?  Si todo se destruyó, ¿qué queda? El cuerpo en movimiento es lo más cercano que nosotros tenemos para preguntarnos por la vida”. 

Finalmente pensé en todo el espacio como un espacio abierto, móvil. Dibujé sobre los muros, abriendo las formas, permitiendo que el vacío del muro ingresara en ellas. Incluso los marcos de los dibujos en la segunda sala estaban abiertos (siendo que los marcos convencionalmente se usan para proteger las obras de arte). La tercera sala tenía una ventana que intervenimos, colocándole unos marcos que era posible mover y cruzar (como si la ventana nunca permitiera ser cerrada).

 

 

 

 

 

  

 

 

 

 

 

 

 

Agradezco la invitación de Adam Szymczyk, la labor de Fabian Schöneich, la gratísima colaboración de Pablo Pérez Palacios, 80M2, Livia Benavides, el buen ánimo de Klaus Haenisch, Ruth Kissling, Beatrice Hatebur, Herbert Rehbein, Roman Straub,  Angela Cerullo, Giorgio Bloch, Abraham Cruzvillegas, José Reyes, Rodrigo Hernández, Donyoung Lee (que diseñó de la invitación y el cartel) y muchas otras personas que hicieron silenciosamente mucho trabajo para llevar esto a cabo (o que me escucharon pacientemente día y noche hablando de lo mismo y lo mismo).